Ünlü sanatçıların resimleri nasıl modanın bir parçası haline geldi ve yirminci yüzyılın yeni bir tarzını şekillendirdi

2024 Yazar: Richard Flannagan | [email protected]. Son düzenleme: 2023-12-16 00:20

Sanat ve moda arasındaki bağlantılar tarihteki belirli anları tanımlar. Bu ortamların her ikisi de kükreyen yirmili yıllardan hareketli seksenlere kadar sosyal, ekonomik ve politik değişiklikleri yansıtıyor. İşte çalışmalarıyla 20. yüzyıl sanatı ve modasına yeni bir bakış açısı kazandıran dört sanatçı ve moda tasarımcısı örneği.

1. Halston ve Warhol: Moda Kardeşliği

Roy Halston ve Andy Warhol arasındaki dostluk sanat dünyasını tanımladı. Hem Roy hem de Andy, sanatçıyı / tasarımcıyı ünlü yapmanın yolunu açan liderlerdi. Sanat dünyasının gösterişçi damgasını kaldırdılar ve kitlelere moda ve stil getirdiler. Warhol, görüntüleri oluşturmak için birkaç kez serigrafi baskı kullandı. Süreci kesinlikle kendisi icat etmese de seri üretim fikrinde devrim yarattı.

Roy, payet, ultra ve ipek kullanımıyla sade ve zarif ama göz alıcı kumaş ve desenler kullandı. Amerikan modasını erişilebilir ve arzu edilir kılan ilk kişilerden biriydi. Her ikisi de 1960'lar, 70'ler ve 80'ler boyunca sanata ve üsluba son izlerini bıraktı ve bu günümüze kadar devam etti.

Roy ve Andy birçok farklı projede birlikte çalıştılar. Warhol, Halston'ın kıyafetlerini ve hatta Halston'u öne çıkaran reklam kampanyaları yarattı. Halston buna karşılık, gece elbiselerinden eğlence setlerine kadar bazı giyim koleksiyonlarında Warhol çiçek baskısını kullandı.

Roy, kıyafetlerinde basit desenler kullandı ve bu da onları çok başarılı kıldı. Giymeleri rahattı, ancak kumaşlar, renkler ve baskılar sayesinde lüks bir dokunuş da vardı. Warhol ayrıca materyallerini ve sürecini basitleştirdi. Bu, çalışmalarını yeniden üretmeyi kolaylaştırdı ve daha satılabilir hale getirdi.

Ticari başarının her iki sanatçı için de kendi zorlukları oldu. Halston, 1982 yılında perakende zinciri JCPenney ile ortak olan ilk kişiydi ve bu, markasının kalitesini etkiledi. Warhol, çalışmaları yüzeysel olarak algılandığı için eleştirilerle de karşılandı. Bununla birlikte, her ikisi de toplu pazar satışları için markalar yaratmak için perakende ve pazarlama kullanımlarını kendi alanlarında modernleştirdi.

Roy ve Andy, Studio 54'ü sık sık ziyaret ediyorlardı. Liza Minnelli, Bianca Jagger ve Elizabeth Taylor gibi ünlüler için partiler verdiler, eserler tasarladılar ve ürettiler. Tüm bunlar, 1970'lerin disko çağına ilham verirken ve onları tanımlarken çalışmalarına da yansıyor.

Halston, ışıltılı gece kıyafetleri yaratmasıyla biliniyordu. Roy, pulları kumaşın üzerine yatay olarak yerleştirdi ve birçok göz alıcı bayan tarafından sevilen lüks kıyafetler yaratmak için kullandığı malzemenin ışıltılı bir etkisini yarattı.

Warhol Elmas Toz Ayakkabı Serisi ayrıca Studio 54'ün gece hayatını ve orada yaşayan ünlüleri de gözler önüne seriyor. Şablonlar veya resimler üzerinde kullandığı elmas tozu, parça için ekstra bir derinlik unsuru yaratıyor. Halston'ın reklam kampanyasının fikri de aslında onun ayakkabılarıydı. Her halükarda, bu ikisi modaya büyük katkı sağladı ve arkalarında silinmez bir iz bıraktı. Nitekim bugün bile birçok modern tasarımcı Andy ve Roy'un fikirlerinden ilham alarak geçmişin yankılarıyla muhteşem koleksiyonlar yaratıyor.

2. Sonia Delaunay: Sanat moda olduğunda

Sonia Delaunay sadece Kübizm'in yeni bir biçiminde devrim yapmakla kalmadı, aynı zamanda sanat ve moda arasındaki bağlantıyı da tanıttı. Hem Delaunay hem de kocası Orfizm'in öncüleriydi ve sanatta çeşitli soyutlama biçimlerini denediler. Kendi sanatsal stilini kullanan ve özgün tekstil tasarımları, baskıları veya desenleriyle moda dünyasına adım atan türünün ilk örneğiydi. Modasından çok sanatı ve kocasıyla olan bağlantısıyla hatırlanıyor. Tarzı 1920'lerde önemli bir rol oynadı ve giyim kataloğu, giysilerin kendisinden çok fotoğrafları ve sanatına yaptığı referanslarla hatırlanıyor. Sonya için sanat ve moda arasında bir sınır vardı ve yoktu. Onun için onlar bir ve aynıdır.

1920'lerde moda işine başladı, müşteriler için kıyafetler yarattı ve üreticiler için kumaşlar tasarladı. Sonya, etiketine Eşzamanlı adını verdi ve çeşitli konularda renk ve desen kullanımıyla daha da ileri gitti. Eşzamanlılık çalışmalarında önemli bir rol oynadı ve alışılmadık tekniği Doğu Avrupa'dan bir patchwork yorganı veya tekstilleri andırıyordu: renkler üst üste bindirildi ve desenler uyum ve ritim yaratmak için kullanıldı. Ortak temaları, çeşitli tasarımlarında örtüşen kareler / dikdörtgenler, üçgenler ve çapraz çizgiler veya küreler içerir.

Delaunay, korse ve uyumun norm olduğu Edward döneminde genç bir kadındı. Bu, 1920'lerde kadınların diz üstü etekler ve bol, vücuda oturan giysiler giymeye başlamasıyla değişti. Bu yönü tasarımlarında görmek mümkün olan Delaunay, kadınların ihtiyaçlarına uygun giysiler yaratma konusunda tutkuluydu. Sonya, kadınların spor yaparken ve yüzerken bile kendilerini daha rahat hissetmelerini sağlayan mayolar geliştirdi. Baskılarını herhangi bir yüzeyi tuval olarak kullanarak paltolara, ayakkabılara, şapkalara ve hatta arabalara koydu. Tasarımları, renk ve şekil aracılığıyla hareket ve ifade özgürlüğü yarattı.

Kariyeri boyunca kendini sürekli yeni bir şeyde denedi ve sonuç olarak sinema ve tiyatroya taşındı. Sonia, Rene Le Somptier'in Küçük Parisli filminin kostümlerini tasarlarken, kocası filmin setini yaptı. Geometrik şekillere düşkündü, onları ustaca bir araya getirip karıştırıyor, kendine has özelliği olan tuhaf desenler ve kırık çizgiler oluşturuyordu.

3. Elsa Schiaparelli ve Salvador Dali arasındaki işbirliği

Sürreal sanatın avangardı, gerçeküstü modanın lideri ile birleşiyor. Salvador Dali ve moda tasarımcısı Elsa Schiaparelli, kariyerleri boyunca işbirliği yaptılar ve birbirlerine ilham verdiler. Istakoz Elbise, Ayakkabı Şapka ve Gözyaşı Elbise gibi hem sanatta hem de modada izleyicileri şok eden ve ilham veren ikonik görünümler yarattılar. Dali ve Schiaparelli, moda tasarımcıları ve sanatçılar arasında gelecekteki işbirliğinin önünü açarak, giyilebilir sanat ve moda olarak kabul edilenler arasındaki boşluğu doldurdu. Dali, çalışmalarında ıstakozları tekrar eden bir tema olarak kullandı ve anatomileriyle ilgilendi.

Elbise "Omar", Elsa ve Dali'nin ortak çalışmasıdır ve yaratılışları sadece çıkış gününde değil, sonrasında da birçok tartışmaya neden olmuştur. İlk olarak, şeffaf bir korsajı ve beyaz bir organze eteği var. Alışılmadık kıyafet, moda dünyasını kelimenin tam anlamıyla havaya uçurdu ve bu konuda çok fazla tartışmaya neden oldu. Beyaz kumaş kullanımı da ıstakozun kırmızı rengiyle tezat oluşturuyor. Beyaz, bakire veya saflığı simgeleyen kırmızı ile karşılaştırıldığında, rahatlık, güç veya tehlike anlamına gelebilir.

İskeletler, gerçeküstü sanatta bulunan başka bir temadır ve Dali ile Schiaparelli arasındaki daha fazla işbirliğinde kullanılmıştır. İskelet elbise türünün ilk örneğiydi. Elsa, iki kumaş katmanının birbirine dikildiği, vatkanın yerleştirildiği yerde bir ana hat oluşturarak, böylece yükseltilmiş bir etki yaratan trapunto adı verilen bir teknik kullandı. Bu teknik, düz bir kumaş üzerinde dokulu bir yüzey oluşturarak insan kemiklerinin elbisenin içinden çıktığı yanılsamasını verir. Bu, elbisenin cilde yapışan elastik bir malzemeden yapılmış olması nedeniyle bir skandala neden oldu. Dali'nin resimlerinin ve çizimlerinin fantezileri, bugüne kadar hem izleyiciler hem de tasarımcılar üzerinde silinmez bir izlenim bırakan Schiaparelli'nin kıyafetlerinin gerçek dışı dünyasında vücut buldu.

4. Yves Saint Laurent: Sanat ve İlhamın Çatışması

Taklit ve takdir arasındaki çizgi nerede? Eleştirmenler, izleyiciler, sanatçılar ve tasarımcılar bu çizginin nereye gittiğini belirlemek için mücadele ettiler. Ancak, Yves Saint Laurent'e gelince, niyeti, ilham kaynağı olarak kullandığı sanatçılara ve tablolara olan övgü ve hayranlıktan başka bir şey değildi. Geniş portföyüne bakıldığında, Saint Laurent, kıyafetlerine başarıyla dahil ettiği dünyanın dört bir yanından kültür ve sanattan ilham aldı.

Yves, kendisine ilham veren sanatçılarla hiç tanışmamış olsa da, bu, onlara saygısının bir göstergesi olarak sanat eserleri yaratmasını engellemedi. Laurent, Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ve Picasso gibi sanatçılardan ilham aldı. Bir sanat koleksiyoncusuydu ve evinde astığı Picasso ve Matisse'in resimlerini topladı.

Yves bazı sanat motiflerini aldı ve onları en sevdiği sanatçılardan bazılarına saygılarını sunan çarpıcı giysilere dönüştürdü. 1960'lar bir devrim ve ticaret dönemi, moda ve sanatta yeni bir dönemdi. Saint Laurent'in projeleri, pop art ve soyutlamadan ilham almaya başladığında ticari başarı kazandı. 1965 yılında Piet Mondrian'ın soyut resimlerinden esinlenerek yirmi altı elbise yarattı. Elbiseler, Mondrian'ın basit şekilleri ve cesur ana renkleri kullanmasını somutlaştırdı. Yves, kumaş katmanları arasında hiçbir dikişin görünmediği ve giysilerin tek parça olduğu izlenimini veren bir teknik kullandı. Saint Laurent, Mondrian'ın 1920'lerdeki sanatını aldı ve 1960'lara göre giyilebilir hale getirdi.

Moda elbiseler 1960'ların tarzının klasik örnekleridir. 1920'lerin daha az kısıtlı kıyafetlerine benziyorlardı ve büyük cilt lekelerini ortaya çıkaran kolları ve etekleri vardı. Saint Laurent'in kare silüetleri kadınları hafif ve özgür hissettirdi. Bu aynı zamanda Tom Wesselman ve Andy Warhol gibi pop art sanatçılarından ilham almasını sağladı. Giysilerinde silüetler ve kesikler içeren bir dizi pop art ilhamlı tasarımlar yarattı. Sanatta soyutlamanın ne olduğunun sınırlarının üstesinden gelmek ve tasarımın ticarileştirilmesiyle ilgiliydi. Laurent, modern bayanlar için özgür ve çekici olan kadınlar için kıyafetler yaratmak için bu iki fikri bir araya getirdi.

Saint Laurent'in Vincent Van Gogh Ceketleri, Yves'in sanatçı ilhamını kendi tasarım yetenekleriyle nasıl birleştirdiğinin bir örneğidir. Diğer kıyafetleri gibi, sanatçıyla ilgili temalar kopyalanmadı ve Saint Laurent'in kıyafetlerine yapıştırılmadı. Bunun yerine onları ilham kaynağı olarak kullanmayı ve kendi tarzını yansıtan parçalar yaratmayı tercih etti. Ceket, Van Gogh'un pitoresk tarzında ayçiçekleriyle işlenen 80'lerin tarzının bir örneğidir.

Laurent, haute couture nakışta lider olan Maison Lesage ile işbirliği yaptı. Ceket "Ayçiçekleri" boru şeklindeki boncuklarla işlenmiştir. Çiçekler turuncu ve sarı ışıltıların farklı tonlarıyla doldurulur. Bu, Van Gogh'un tuvale kalın boya uygulama tekniğine benzer çok boyutlu bir doku oluşturur. Yaklaşık dört yüz bin Euro'ya Christie's'te şimdiye kadar yapılmış ve satılan en pahalı haute couture ürünlerinden biri olduğu tahmin ediliyor. Saint Laurent, moda ve dönem ne olursa olsun, başlı başına bir sanat eseri olarak giyinmenin yolunu açtı.

Konuya devam, ayrıca hakkında okuyun Saeko Yamaguchi'yi başarıya götüren, onu Kenzo ve Yamamoto'nun en sevilen ilham perilerinden biri yapan şey.