Bu türün yüksek sanat olduğunu kanıtlayan dijital resim hakkında az bilinen gerçekler

2024 Yazar: Richard Flannagan | [email protected]. Son düzenleme: 2023-12-16 00:20

Dijital boyama, parlak bir renk sıçramasını yüksek teknolojiyle birleştiren ince bir zıtlık çizgisidir. Bu, yaratılan her resmin o kadar çok yönlü olduğu, bazen anlamanın ve takdir etmenin zor olduğu inanılmaz bir sanat dünyasıdır. Birisi karışık bir stili tercih ediyor ve sıfırdan biri çizim için yalnızca bir tablet ve işleme için bir düzine uygun program kullanıyor. Ama öyle ya da böyle, bu sanat tüm dünyada oldukça popülerdir ve aynı derecede canlı ve büyüleyici bir başlangıç tarihi ile övünebilir.

1. Dijital resmin tarihi

19. yüzyılın sonunda fotoğrafın icadından bu yana, resim yavaş yavaş kaybolmaya başladı ve fotoğrafçılar ve sanatçılar arasında gerçek bir yüzleşme başladı, çünkü herkes kendi bakış açısını savunmaya ve kanıtlamaya çalıştı. 1960'lara kadar, pop art ve fotogerçekçiliğin ortaya çıkmasıyla birlikte, sanatçılar dijital resim kavramını keşfetmeye başladılar. Dijital estetiği ilk benimseyen pop sanatçısı Roy Lichtenstein, metal bir stencil aracılığıyla özel boyayla elle ve özenle boyadığı sanatına mürekkep noktaları katan Roy Lichtenstein oldu.

1965 yılındaki Brushstrokes adlı resimde, Lihtenştayn, Dick Giordano'nun Boyama adlı bir çizgi romanı büyütür. Kompozisyonunun soyut tasarımı, 1950'lerin New York Soyut Dışavurumcularını andırıyor, ancak Lihtenştayn, soyut kompozisyonunu ve damlayan boyayı tamamen sentetik hale getirerek sözde orijinalliklerinin kasıtlı olarak parodisini yapıyor.

Amerikan pop sanatının ardından, Batı Berlin'de kendilerini kapitalist realistler olarak adlandıran ve kendilerini "ilk Alman pop sanatçıları" olarak ilan eden alternatif bir sanatçı grubu ortaya çıktı.

Grubun en önde gelen üyelerinden biri medya, reklamcılık ve popüler kültür dünyalarını inceleyen Sigmar Polke idi. Ancak Amerikan pop kültürünün aksine, kapitalist realistler kendi dijital resim stillerini yaratmak için Almanya'nın geçmişinin dışavurumculuğunu medya imgesi unsurlarıyla birleştirerek daha kaba ve dağınık bir yaklaşım benimsediler.

Lihtenştayn gibi Polke de noktaları severdi. Bu noktaları resimlerinin çoğuna yerleştirdi, bastı ve boyadı, 1963'te İsimsiz resminde gösterildiği gibi onları kendi cesur imza stiline dönüştürdü.

Alman sanatçı Gerhard Richter, Polke ve kapitalist gerçekçi hareketle yakından ilişkiliydi ve Polke ile basılı yüzeyin resme nasıl dahil edilebileceği konusunda karşılıklı bir hayranlık duyuyordu. Richter, belki de en çok, fotoğrafçılığın yumuşak odağını o kadar iyi taklit eden imzası olan bulanık fotogerçekçi resimleriyle tanınır ki, çoğu zaman gerçekten boyanmış olup olmadıklarını merak eder. Çalışmaları, fotoğrafın keskin gerçekçiliğini resimde özenle aktarmanın yollarını arayan 1960'ların ve 70'lerin Amerikalı fotogerçekçileriyle yakından ilişkiliydi.

Ancak Richter, yeni sanat dalgasına olan hayranlığını ifade ederek, fotoğrafik ve resimsel efektleri bir araya getirerek daha deneysel bir yaklaşım benimsedi. 1970'lerde Gerhard, kendi etkileyici, soyut resimlerini fotoğraflamaya ve bu fotoğraflardan yola çıkarak yenilerini yaratmaya başladı. Soyut Resim No. 439, 1978'de görüldüğü gibi, boyanın sıvı akışkanlığı fotoğrafın parlak, el değmemiş yüzeyiyle birleşerek dijital bir tablo oluşturur. Hem Richter hem de Polke, belirli bir eserin yaratılmasına yönelik becerilerini ve deneysel yaklaşımlarını geliştirmeye devam eden çağdaş sanatçılar üzerinde özellikle derin bir etkiye sahipti.

2. Kolajlar

Pek çok çağdaş sanatçı, yazılı medyanın günlük hayata nüfuzunu yansıtan, doğrudan gözlemden ziyade bulunan fotoğrafik kaynaklardan hikayelerini çiziyor. En maceracı çağdaş sanatçılardan bazıları, orijinal baskının dokularını ve yüzeylerini ve kırpılmış veya yırtılmış kenarlarını vurgulayarak, orijinal malzemenin dijital doğasını kasıtlı olarak vurgular.

İngiliz sanatçı Dexter Dalwood, kendi küçük kolajlarından yola çıkarak resimler yapıyor, tuval üzerinde kasıtlı olarak keskin kesik çizgiler veya düzensiz boya boşlukları üretiyor, böylece 2004'teki çalışmalarından birinde görüldüğü gibi garip, yanıltıcı yerler yaratıyor. Dalwood gibi, İngiliz sanatçı Neil Gull da günlük hayatın geçici görsellerini araştırmaya ve onları mümkün olduğunca orijinal bir şekilde resme dahil etmeye çalışıyor.

3. Bilgisayarlar, yazıcılar ve fotokopi makineleri

Zaman durmuyor ve sanatçılar dijital baskı ve resim arasındaki eğlenceli ikiliği denemeye devam ediyor. Amerikalı sanatçı Wade Guyton, Epson Stylus Pro 9600 geniş formatlı mürekkep püskürtmeli yazıcı kullanarak kanvas sayfalara baskı yaparak dijital resim terimini simgeleyen eserler yapıyor. Kendi imzası olan kareler, haçlar ve ızgaralardan oluşan geometrik desenler, tuval üzerine baskı yapılmadan önce bilgisayarda oluşturulur, ancak en çok, tuval sıkışıp dışarı çekilmesi gerektiğinde ve mürekkep birbirine karışarak dışarı akmaya başladığında, yazıcının kontrolü dışında meydana gelen teknik arızaları sever.

Çağdaş Alman sanatçı Charlene von Hale, bulunan görüntülerden çalışıyor, ardından resim sürecinde karartıyor ve soyutluyor. 2001'den beri fotokopi makineleri ve bunların mevcut görüntüleri nasıl çarpıtıp dönüştürebileceklerini ve kendisine kendi dijital resim stilini yaratmak için birlikte çalışması için sonsuz bir dizi yeni malzeme sağlayabileceklerini deniyor. Bazen 2003 yılındaki bir resimde görüldüğü gibi fotokopilerin üzerine boyayarak yeni görüntüler yaratıyor.

4. Yüzen görüntüler

Günümüzün en heyecan verici dijital resim sanatçılarından biri, resimlerinde captcha kodlarının, emojilerin ve bilgisayar programlarının dijital dillerini gösteren Amerikalı sanatçı Jacqueline Humphries. Karmaşık yinelenen noktalar, çizgiler, çarpılar ve emojiler endüstriyel bir şablon kesici kullanılarak çiziliyor ve daha sonra dışavurumcu boya şeritleriyle örüyor ve dijital boyamayı elinin öngörülemeyen vuruşlarıyla birleştiriyor. Bu katmanlama sürecini, izleyicinin aynı anda birden fazla sayfayı üst üste görüntüleyebildiği çok ekranlı bilgisayar etkinliğiyle karşılaştırıyor.

Ünlü Black Light serisi resimleri, yalnızca ultraviyole lambalarla aydınlatılan karanlık bir odada görülebilen devasa tuvaller üzerine ultraviyole boya ile boyanmış parlayan bilgisayar ekranlarının estetiğini daha da taklit ederek, resimlerine "sinema kalitesi" dediği şeyi veriyor.

Amerikalı soyut sanatçı Amy Sillman belki de en çok katmanlı çizgiler, şekiller ve canlı renk ağlarından oluşan gevşek doğaçlama tuvalleriyle tanınıyor, ancak aynı zamanda görsel dilini hayata geçiren duygulu animasyonlar da yaptı. Animasyon çalışması "On Üç Olası Gelecek: Bir Resim İçin Karikatür" 2012, iPad çizim uygulaması kullanılarak yapılmıştır. Sillman daha sonra animasyonun her karesini yazdırdı ve onları devasa bir yerleştirmeye dönüştürerek izleyicinin tek bir sanat eseri yaratmaya giden daha geniş karar verme sürecinin perde arkasına göz atmasını sağladı.

5. Dijital resmin geleceği

Gelişen teknolojik gelişmenin geleceğine doğru ilerlerken, dijital resmin kapsamının yeni ve heyecan verici yönlerde genişlemeye devam edeceğinden şüphe yoktur. İngiliz sanatçı Glenn Brown, resmin gelecekteki rolünü, geçmişin sanat tarihini yeniden tasarlamak ve onu yeni bir şeye dönüştürmek konusunda görüyor. Resimleri, Rembrandt van Rijn'den Frank Auerbach'a, eski ve yeni, eski ve yeni resimleri kopyalayıp yeniden yapıyor, çeşitli filtrelerin yardımıyla onları mükemmele ulaştırıyor, onlara tamamen yeni bir hayat ve anlam üfliyor.

İnsan fantezisi, özellikle yaratıcılık ve sanat söz konusu olduğunda sınır tanımıyor. Dünyanın her yerinden sanatçılar, fotoğrafçılar ve heykeltıraşlar, birçok soruyu gündeme getiren, çoğu zaman cevapsız kalan eserleriyle halkı şaşırtmaktan asla vazgeçmezler. Baş döndürücü sanat yanılsamaları istisna değildi., dünyanın tam anlamıyla ayaklarımızın altından çıktığı yere bakarak.