Harika moda tasarımcılarına ilham veren ve benzersiz koleksiyonlar yaratan parlak sanatçıların 9 şaheseri

2024 Yazar: Richard Flannagan | [email protected]. Son düzenleme: 2023-12-16 00:20

Tarih boyunca moda ve sanat, harika bir kombinasyon yaratmak için el ele gitti. Birçok moda tasarımcısı, koleksiyonları için sanatsal hareketlerden fikirler ödünç aldı ve bu da modanın esas olarak fikir ve vizyonları ifade etmeye hizmet eden bir sanat formu olarak yorumlanmasına izin verdi. Bundan etkilenen bazı uluslararası üne sahip moda tasarımcıları, 20. yüzyılın sanatsal hareketlerine dayanan olağanüstü koleksiyonlar yarattılar.

1. Madeleine Vionne

1876'da kuzey-orta Fransa'da doğan Madame Madeleine Vionne, "tarz tanrıçası ve terzilik kraliçesi" olarak biliniyordu. Roma'da kaldığı süre boyunca Yunan ve Roma uygarlıklarının sanat ve kültüründen büyülenmiş, antik tanrıçalardan ve heykellerden ilham almıştır. Bu sanat eserlerine dayanarak, tarzının estetiğini şekillendirdi ve kadın bedenine yeni bir boyut kazandırmak için Yunan heykel ve mimarisinin unsurlarını birleştirdi. Drape ve eğimli elbiselerdeki becerisiyle Madeleine, modern modada devrim yarattı. Sanat koleksiyonları için sık sık Semadirek Kanatlı Zaferi gibi sanat eserlerine danıştı.

Helenistik sanatın şaheseri ile Vionne'un ilham perisi arasındaki benzerlikler dikkat çekicidir. Kumaşın Yunan chiton tarzında derin dökümü, figürden aşağı doğru akan dikey ışık çizgileri oluşturur. Heykel, Yunan zafer tanrıçası Nike'a saygıyla yaratıldı ve gerçekçi hareket tasviri için hayran kaldı. Vionnet tasarımının akıcı drapesi, Nike'ın vücuduna yapışan dalgalı kumaşın hareketini anımsatır. Elbiseler bir beden gibi ruhu olan canlılar gibi olabilir. Semadirek'in Kanatlı Zaferi gibi Madeleine de derinlerde saklı olan insan özünü uyandıran elbiseler yarattı. Hem estetik bir felsefe hem de bir tasarım felsefesi olan klasisizm, Vionne'a vizyonunu geometrik bir uyum içinde aktarma fırsatı verdi.

Kübizm gibi çağdaş sanat akımlarından da etkilenmişti. Madeleine, kreasyonlarına geometrik şekiller eklemeye başladı ve onları kesmek için eğimli kesim adı verilen başka bir yöntem benimsedi. Tabii ki, Vionne eğik kesimi icat ettiğini asla iddia etmedi, sadece kullanımını genişletti. Kadınlar yirminci yüzyılın başlarında hakları için mücadelede büyük ilerleme kaydederken, Madeleine uzun ömürlü Victoria korsesini kadınların günlük giyiminden kaldırarak özgürlüklerini savundu. Bu nedenle, kadınların büstiyerin baskısından kurtulmasının bir sembolü haline geldi ve bunun yerine kadın bedenlerine tam anlamıyla akan yeni, daha hafif kumaşlar çıkardı.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli, Valentino'nun baş tasarımcısı ve Orta Çağ'ın dini eserlerine çok ilgi duyuyor. Onun için ilhamın başlangıç noktası, Orta Çağ'dan Kuzey Rönesans'a geçiş anıdır. Zandra Rhodes ile işbirliği yaptı ve birlikte 2017 İlkbaharında ilham verici bir koleksiyon geliştirdiler. Piccioli, 70'lerin sonlarındaki punk kültürünü hümanizm ve ortaçağ sanatıyla birleştirmek istedi, bu yüzden köklerine ve Rönesans'a geri döndü ve Hieronymus Bosch'un The Garden of Earthly Delights adlı tablosundan ilham aldı.

Ünlü Hollandalı ressam, 16. yüzyılda Kuzey Rönesansının en önemli temsilcilerinden biriydi. Bosch'un Reform'dan önce boyadığı "Dünyevi Zevkler Bahçesi"nde sanatçı, günahkarları bekleyen Cennet'i ve insanlığın yaratılışını, Adem ve Havva'nın ilk cazibesini ve Cehennemi tasvir etmek istedi. Orta bölmede, insanlar bir zevk dünyasında iştahlarını tatmin ediyor gibi görünüyor. Bosch'un ikonografisi, özgünlüğü ve duygusallığıyla öne çıkıyor. Bütün resim günahın bir alegorisi olarak yorumlanır.

Moda dünyasında, çeşitli moda tasarımcılarının motiflerinden etkilendiği için resim popülerlik kazandı. Dönemleri ve estetiği harmanlayan Piccioli, Bosch'un sembollerini uçan transparan elbiselerle yeniden yorumlarken, Rhodes orijinal sanat eserine biraz benzeyen romantik baskılar ve işlemeli desenler yarattı. Renkler kesinlikle tasarımcıların iletmek istediği mesajın bir parçasıydı. Bu nedenle, uçan rüya gibi elbiseler koleksiyonu, elma yeşili, uçuk pembe ve mavi ardıç kuşu yumurtalarının kuzey renk paletine dayanmaktadır.

3. Dolce ve Gabbana

Peter Paul Rubens, kadınları ustaca sevgi, öğrenme ve çalışkanlıkla resmetmiştir. "Aynanın önündeki Venüs"ünü güzelliğin yüce sembolü olarak sundu. Peter, koyu tenli hizmetçi ile tezat oluşturan açık renkli yüzünü ve sarı saçlarını özel olarak canlandırdı. Ayna, bir kadını bir portre gibi çerçeveleyen ve aynı zamanda figürün çıplaklığını incelikle vurgulayan mutlak bir güzellik sembolüdür. Cupid'in tanrıça için tuttuğu ayna, erotik çekim ve arzunun bir temsili olarak Venüs'ün yansımasını gösterir. Barok sanatın kurucularından biri olan Rubens ve çizgilerin üzerindeki renkler kavramı, Dolce & Gabbana dahil olmak üzere birçok moda tasarımcısını etkiledi. Barok üslup, Rönesans ruhundan sapmış, dinginliği ve şıklığı terk etmiş, onun yerine zarafet, heyecan ve hareket aramıştır.

Moda tasarımcıları Domenico Dolce ve Stefano Gabbana, kadın güzelliğinin romantik yanı kadar şehvetli yanını da kutlayacak bir kampanya yaratmak istediler. Peter Paul Rubens en uygun ilham kaynağıydı. Kült ikilinin kreasyonları, Flaman sanatçının sanatıyla büyük bir uyum içindeydi. Bu koleksiyonda, büyük bir asaletle poz veren modeller, Rubens'in tablolarından birinden yeni çıkmış gibi görünüyorlardı. Süslemeler barok aynaları andıracak şekilde ve işleme detaylarıyla tasarlanmıştır. Figürlerin zarafeti ve pastel renk paleti, brokar pembe elbise ile güzel bir şekilde vurgulandı. Moda tasarımcılarının çeşitli modelleri dahil etme seçimi, o dönemin vücut tipine daha fazla katkıda bulundu. Dolce ve Gabbana'nın kullandığı kıvrımlı hatlar, moda endüstrisinde farklı vücut tiplerinin ayrımcılığına ters düşüyordu.

Dolce ve Gabbana Kadın Sonbahar 2012 koleksiyonu, İtalyan Barok mimarisinin birçok özelliğini sergiliyor. Bu koleksiyon, Sicilya Barok stilinin zengin bir şekilde dekore edilmiş özelliklerine mükemmel uyum sağlar. Tasarımcılar, Sicilya Katolik kiliselerinde görüldüğü gibi Barok mimarisine odaklandılar. Referans noktası, Rubens'in "Avusturya'nın Anna Portresi" tablosuydu. Kraliyet portresinde, Avusturyalı Anna İspanyol tarzında tasvir edilmiştir. Anna'nın siyah elbisesi, yeşil işlemelerin dikey çizgileri ve altın detaylarla süslenmiştir. Dantel ve brokar gibi lüks tekstillerden yapılmış, ustaca tasarlanmış elbiseler ve pelerinler, yaratıcılıklarıyla dünyayı fetheden Dolce ve Gabbana şovunun ana özelliği haline geldi.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga, yirminci yüzyılda kadın modasında reform yapan gerçek bir usta olarak adlandırılabilir. İspanya'da küçük bir köyde doğdu, çağdaş projelerine İspanyol sanat tarihinin özünü getirdi. Balenciaga, kariyeri boyunca İspanyol Rönesansından etkilenmiştir. Sık sık İspanyol kraliyet ailesinden ve din adamlarından ilham aldı. Moda tasarımcısı, dönemin kilise eşyalarını ve manastır cübbelerini giyilebilir moda başyapıtlarına dönüştürdü.

En büyük ilham kaynaklarından biri, Dominikos Theotokopoulos olarak da bilinen davranışçı El Greco'ydu. Kardinal El Greco Fernando Niño de Guevara'ya baktığınızda, kardinal pelerini ile Balenciaga'nın tasarımı arasındaki benzerlikleri görebilirsiniz. Tablo, Toledo'daki El Greco zamanının İspanyol kardinal Fernando Niño de Guevara'yı tasvir ediyor. El Greco'nun fikirleri İtalyan Rönesansının Neoplatonizminden ödünç alındı ve bu portrede kardinali Tanrı'nın lütfunun bir sembolü olarak sunuyor. Tavırcılık resmin tamamında mevcuttur. Bu, küçük bir kafa, zarif ama tuhaf uzuvlar, yoğun renkler ve klasik ölçü ve oranların reddedildiği uzun bir figürde fark edilir.

Balenciaga'nın tarihi kıyafetlere olan tutkusu, 1954 koleksiyonundaki bu abartılı gece montunda kendini belli ediyor. Modern tarzda şekiller icat etme vizyonuna ve yeteneğine sahipti. Bu paltonun abartılı yakası, bir kardinal pelerininin bol tarzını yansıtıyor. Kardinal'in kıyafetlerinin kırmızı rengi, kanı ve inanç uğruna ölmeye hazır olduğunu sembolize ediyor. Ünlü tasarımcı, genellikle cesur renk kombinasyonlarını ve canlı tonları tercih ettiği için canlı kırmızıyı olağanüstü olarak değerlendirdi. Onun büyük yeniliği, belin ortadan kaldırılması ve akıcı çizgilerin, basit kesimlerin ve üç çeyrek kolların tanıtılmasıydı. Balenciaga bunu yaparak kadın modasında devrim yarattı.

Tasarımcı ayrıca, kadınların takılarını sergilemelerine olanak tanıyan bileklik uzunluğundaki kolları da tanıttı. 1960'larda kadınların iş sektörüne kademeli olarak girmesiyle Balenciaga, giydirdiği kadınlara rahatlık, özgürlük ve işlevsellik kazandırma fikrine sahipti. Günün formda oturan silüetleriyle tezat oluşturan gevşek, rahat elbiseleri tanıttı.

5. Alexander McQueen

Avusturyalı sanatçı, sembolizm ustası ve Viyana ayrılık hareketinin kurucusu Gustav Klimt, 20. yüzyıl sanat tarihinin temellerini attı. Resimleri ve sanatsal estetiği uzun zamandır moda tasarımcılarına ilham kaynağı olmuştur. Aquilano Rimondi, L'Rene Scott ve Christian Dior gibi diğerleri, Klimt'e doğrudan atıfta bulunan tasarımcı Alexander McQueen'di. Resort İlkbahar / Yaz 2013 koleksiyonunda, sanatçının çalışmalarından ilham almış gibi görünen benzersiz parçalar tasarladı. Üstte tekrar eden altın desenli, dökümlü siyah bir elbiseye bakıldığında, belirli bir resim akla gelebilir. McQueen, bronz ve altın tonlarında soyut, geometrik ve mozaik tasarımları kullanmış ve tasarımlarına dahil etmiştir.

1905'te Gustav Klimt, sevginin sembolü haline gelen nazik bir kucaklamada yakalanmış bir çifti betimleyen "Kucaklama" resmini çizdi. Avusturyalı sanatçı, altın resimlerinin yanı sıra bu eserlerde bulunan soyutlama ve rengin mükemmel kombinasyonu ile tanınır. Tüm mozaikler, moda üzerinde büyük etkisi olan sürekli değişen veya doğal süslemelerle zengin altın tonlarına sahiptir. Bu resim, iki sevgilinin kıyafetleri arasındaki zıt geometrik şekiller nedeniyle dikkat çekicidir. Erkek giyimi siyah, beyaz ve gri karelerden oluşurken, kadın elbisesi oval halkalar ve çiçek motifleri ile süslenmiştir. Böylece Klimt, erkeklik ve kadınlık arasındaki farkı ustaca gösterir. Alexander, kıyafetleri için benzer bir şey benimsedi.

6. Hıristiyan Dior

İzlenimciliğin kurucusu ve sanat tarihinin en büyük Fransız ressamlarından biri olan Claude Monet, ardında büyük bir sanatsal miras bıraktı. Giverny'deki evini ve bahçesini ilham almak için kullanan Monet, resimlerinde doğal manzarayı yakaladı. Özellikle, "Sanatçının Giverny'deki Bahçesi" adlı resimde, doğal manzarayı ihtiyaçlarına göre manipüle etmeyi başardı. Kahverengi toprak paletin çiçeklerin canlı rengiyle kontrastı sahneyi tamamlıyor. Ünlü Empresyonist, parlak bir güneş etkisi yaratmak için mor renginden dolayı genellikle iris çiçeğini seçmiştir. Bu resim, baharı kucaklayan çiçekler açıp selamlarken hayat doludur. Gül ve leylak yaprakları, süsen ve yasemin beyaz tuval üzerine resmedilen rengarenk bir cennetin parçasıdır.

Aynı şekilde Fransız modasının öncülerinden Christian Dior da moda dünyasında bugün hala hissedilen büyük bir iz bıraktı. 1949 yılında ilkbahar/yaz sezonu için bir haute couture koleksiyonu tasarladı. Bu serginin öne çıkan özelliklerinden biri, tamamen pembe ve mor tonlarında çiçek yapraklarıyla işlenmiş ikonik Dior elbisesiydi. Dior, sanat ve modanın iki dünyasını mükemmel bir şekilde resmetti ve bu fonksiyonel elbisede Monet'in estetiğini taklit etti. Monet'in yaptığı gibi, kırsalda çok zaman geçirdi, koleksiyonlarını Granville'deki bahçesinde boyadı. Böylece, Monet'nin renk paletini ve çiçek desenlerini kreasyonlarına dahil ederek zarif Dior stilini tanımladı.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian, 20. yüzyılda soyut sanat yaratan ilk sanatçılardan biriydi. 1872'de Hollanda'da doğdu, De Stijl adında bir sanat hareketi kurdu. Hareketin amacı çağdaş sanat ve yaşamı birleştirmekti. Neoplastikizm olarak da bilinen bu tarz, yalnızca geometrik ilkelerin ve kırmızı, mavi ve sarı gibi ana renklerin nötrlerle (siyah, gri ve beyaz) birleştirildiği bir soyut sanat biçimiydi. Pete'in 1900'lerin başındaki yenilikçi tarzı, moda tasarımcılarını bu saf soyut sanat türünü yeniden üretmeye zorladı. Bu resim tarzının en güzel örneği Kırmızı, Mavi ve Sarı Renklerle Kompozisyon'dur.

Bir sanat aşığı olan Fransız moda tasarımcısı Yves Saint Laurent, Mondrian'ın resimlerini haute couture kreasyonlarına dahil etti. Pete'in çalışmalarından ilk olarak annesinin Noel için aldığı sanatçının hayatı hakkında bir kitap okuduğunda ilham alan tasarımcı, Mondrian koleksiyonu olarak bilinen 1965 sonbahar koleksiyonunda sanatçıya olan takdirini dile getirdi. Sanatçının geometrik çizgilerinden ve cesur renklerinden ilham alan sanatçı, ikonik stilini ve genel olarak altmışlar dönemini kutlayan altı kokteyl elbisesi sundu. Mondrian'ın elbiselerinin her biri biraz farklıydı, ancak hepsi basit bir A-line şeklini ve her vücut tipi için mükemmel olan kolsuz bir diz uzunluğunu paylaşıyordu.

8. Elsa Schiaparelli

1890'da Roma'da aristokrat bir ailede dünyaya gelen Elsa Schiaparelli, kısa sürede moda dünyasına olan sevgisini dile getirdi. Fütürizm, dada ve gerçeküstücülükten ilham alarak devrimci tarzını geliştirmeye başladı. Kariyeri ilerledikçe Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp ve Jean Cocteau gibi ünlü sürrealistler ve Dadacılarla etkileşime girdi. İspanyol sanatçı Salvador Dali ile bile işbirliği yaptı.

Moda tarihindeki en büyük işbirliklerinden biri, Dali ve Elsa Schiaparelli arasındaki işbirliğiydi. Bu elbise, 1938 yazında Schiaparelli'nin sirk koleksiyonunun bir parçası olarak Salvador Dali ile yaratıldı. Elbise, Dali'nin çarpık vücut oranlarına sahip kadınları tasvir ettiği resmine atıfta bulunuyor.

Sürrealist sanatçılar için ideal kadın arayışı başarısızlığa mahkûmdu, çünkü ideal gerçekte değil, yalnızca hayallerinde vardı. Ancak, kadınları gerçekçi bir şekilde tasvir etmek Dali'nin niyeti değildi, bu yüzden vücutları hiç estetik değil. Schiaparelli, vücudu gizleme ve açığa çıkarma, kırılganlık ve güvensizlik yanılsaması yaratma oyununu denemek istedi. Gözyaşı yanılsamasına sahip elbise, Salvador'a ve orantısız kadınlarına haraç veren soluk mavi ipek krepten yapıldı.

9. Gianni Versace

Pop Art dönemi, sanat tarihinde moda tasarımcıları ve sanatçılar için muhtemelen en etkili dönemdi. Andy Warhol, pop kültürü ve yüksek modanın karışımına öncülük ederek onu pop art hareketinin ikonik bir sembolü haline getirdi. Altmışlı yıllarda Warhol, serigraf baskı olarak bilinen imza tekniğini uygulamaya başladı.

En eski ve şüphesiz en ünlü eserlerinden biri Marilyn Diptych idi. Bu eser için sadece pop kültüründen değil, sanat tarihinden ve soyut dışavurumcu sanatçılardan da ilham aldı. Andy, Marilyn Monroe'nun iki dünyasını, bir Hollywood yıldızının sosyal hayatını ve depresyon ve bağımlılıkla mücadele eden bir kadın olan Norma Jeane'in trajik gerçekliğini yakaladı. Diptik soldaki titreşimi yoğunlaştırırken, sağda karanlık ve belirsizliğin içinde kayboluyor. Bir tüketim toplumu ve materyalizmi temsil etme girişiminde, bireyleri insanlardan ziyade ürünler olarak tasvir etti.

İtalyan tasarımcı Gianni Versace, Andy Warhol ile uzun süredir devam eden bir dostluğa sahipti. Her iki adam da popüler kültürden etkilenmişti. Versace, Warhol'u onurlandırmak için 1991 İlkbahar / Yaz koleksiyonunu ona adadı. Elbiselerden birinde Marilyn Monroe ile Warhol baskıları vardı. 1960'lardan Marilyn ve James Dean'in canlı ipek portrelerini eteklere ve maksi elbiselere dahil etti.

Ve moda, güzellik ve sıra dışı fikirler konusunun devamında, nasıl yapıldığını da okuyun. modern sanatçılar makyajı gerçek bir sanat eserine dönüştürdü.