Rodin'in "Düşünen" veya "Yaslı"yı Gerçekten Yarattığı: Ünlü Sanat Eserlerinin Gerçek Anlamı

2024 Yazar: Richard Flannagan | [email protected]. Son düzenleme: 2023-12-16 00:20

Herkes, keder konusunun sanatçılar arasında çok popüler olduğunu kolayca fark edebilir. Ve çoğu zaman modern insanlar, bazı tabloların veya heykellerin kökeninin tarihini ve gerçek anlamlarını bile bilmiyorlar.

"Venedik Stanley'nin Portresi, Lady Digby" Van Dyck

Görünüşe göre genç kadın huzur içinde uyuyor. Bununla birlikte, 1633'te Flaman ressam Anthony van Dyck, Venedik Stanley'nin tüm aristokrat güzelliğini tuvale aktarmaya çalıştığında, Lady Digby, aslında ölüm döşeğinde yatan iki günlük bir cesedin portresini çiziyordu.

Venedik'in kocası Sir Kenelm Digby, karısının 33 yaşındayken gece aniden öldüğünü öğrenince üzülerek, Kral I. Charles'ın saray ressamı Van Dyck'ten ölen karısını "cerrahlar ve adli tabiplerin önünde" resmetmesini istedi. ulaşmış."

Anthony van Dyck, Venedik, Lady Digby'yi Ölüm Yatağında 1633'te yazdı - kadın uykusunda öldükten iki gün sonra

Van Dijk, ölümden sonra insan vücudunda meydana gelen korkunç değişiklikleri görmezden gelerek işe koyuldu. Venedik'in solgun, büyüleyici boynuna bir inci kolye çizdi ve çarşafın kenarına gül yaprakları saçtı. Digby, şu anda Londra'daki Dulwich Sanat Galerisi'nde bulunan Van Dyck'in resminin, sanatçının eserinin en büyük başarısı olduğuna inanıyordu. Ona göre, bu "gül" ilk bakışta bile "soluyor" gibi görünüyordu ve karısının ölümünü simgelemesi gerekiyordu.

Aradan yaklaşık 4 yüz yıl geçmesine rağmen, sadece saray mensubu ve diplomat değil, aynı zamanda mucit ve simyacı olan Digby'nin karısının ölümüne kendisinin neden olduğu söylentileri var. Bazıları, Venedik'e güzelliğini korumayı umduğu bir engerek kanı karışımı verdiğini söylüyor. Diğerleri onu kıskançlıkla öldürdüğüne inanıyor - sonuçta, bir keresinde Venedik'in kötü şöhretli ahlaksızlığı hakkında "bilge ve güçlü bir adam bir genelev işçisinden bile dürüst bir kadın yapabilir" demişti. İlginç bir şekilde, bir otopsi yapılmasına rağmen sonuçları korunmadı.

Ancak Digby, Venedik'in ölümüyle harap oldu. Kardeşine, Van Dyck'in ölümünden sonra yapılan portresinin “şu anda sahip olduğum tek sabit yoldaşım olduğunu” yazdı. Bütün gün sandalyemin ve masamın önünde… ve bütün gece yatağın yanında duruyor. Soluk ay ışığı üzerine düştüğünde, bana öyle geliyor ki, onu gerçekten ölü görüyorum."

Başka bir deyişle, Digby'nin mektubuna göre, Van Dyck'in bir metrekareden küçük yağlı boya tablosu, kederli dul için bir teselli ve teselli olmuştur. Resimdeki gül gerçekten de hayatın geçiciliğinin "amblemi"yse, resmin kendisi de hüzün sanatı diyebileceğimiz şeyi simgeliyor.

Esas olarak ölenlerin anısına kurulan kiliselerdeki mezar anıtlarına ek olarak, Batı sanatında Van Dyck döneminden önce, Orta Çağ'da ve Rönesans döneminde keder teması kural olarak sadece dini olarak bulundu. İsa'nın ölümünün trajik hikayesine adanmış resim ve heykeller. …

Aziz Petrus Bazilikası'ndaki Michelangelo'nun Pieta'sı

Michelangelo'nun Aziz Petrus Bazilikası'ndaki çarpıcı mermer pastası, imzasını attığı tek heykel çalışmasıdır. Yas tutan Meryem Ana'yı kucağında yatan ölü İsa ile tasvir ediyor. Bu belki de en ünlü örnek, ancak başkaları da var. Örneğin, başka bir Yüksek Rönesans sanatçısı ve Michelangelo'nun arkadaşı Sebastiano del Piombo'nun bir tablosu seçilebilir. Ulusal Galeri'deki uzmanlara göre, (del Piombo'nun Michelangelo ile birlikte çalıştığı) "Ölü İsa'nın Ağıtı" (1512-1516) tablosu "tarihteki ilk büyük ölçekli gece manzarası" ve mehtaplı gökyüzü. kasvetli ruh haline mükemmel uyum sağlar.

Michelangelo'nun Aziz Petrus Bazilikası'ndaki Pieta'sı, Katoliklikte en yaygın imgelerden birinin ünlü bir versiyonudur: Meryem Ana'nın oğlunun ölümüyle ilgili üzüntüsü

Tabii ki, Mesih için geleneksel yas teması, sanat tarihinde Giotto ve Mantegna'dan Rubens ve Rembrandt'a kadar birçok ünlü yazar tarafından tasvir edilmiştir. Bunlar, yüzyıllar boyunca bu İncil sahnesini şu ya da bu biçimde tasvir eden binlerce sanatçıdan sadece birkaçı. Gerçekten de, yas sanatı o kadar yaygın hale geldi ki, bazen insanlar neye baktıklarını unutuyorlar. Rodin'in British Museum'daki yeni sergisinin küratörü geçtiğimiz günlerde ünlü Fransız heykeli The Thinker'ın aslında The Mourner olarak adlandırılması gerektiğini öne süren bir makale yayınladı. Antik Yunan sanatı konusunda bir otorite olan Ian Jenkins, “El ve çeneye yakından bakın” dedi. - Bu kişi bir şey düşünüyor olsaydı, düşünceli bir hareketle çenesini eliyle kapatırdı. Ama bu heykelde el çeneyi destekliyor. Ve antik Yunanistan'da bu bir yas jestiydi."

Arnold Böcklin'in "Ölüler Adası"

Arnold Böcklin tarafından ahşap üzerine yağlı boya "Ölüler Adası", 1880. Arsa antik Yunan mitolojisine dayanmaktadır. Resim, Jacques Tourneur'un aynı adlı korku filmine ilham verdi.

Herhangi bir uluslararası müzenin çevrimiçi arama motoruna "keder" kelimesini girerseniz, birçok sonuç döndürür. Örneğin, Birleşik Krallık'ta, Tate Gallery web sitesinde bu anahtar kelime için yapılan bir arama, farklı dönemlerden yas ve ıstırap temalı 143 sanat eseri döndürdü.

Örneğin, 18. yüzyılda sanatçılar kederi ve hüznü Shakespeare dramasının prizmasından görmeye başladılar. Favori bir konu, Kral Lear'ın kızı Cordelia'nın ölümüydü. 19. yüzyılda, John Everett Millais'in Elizabeth Siddal'ın dört ay boyunca küvette günde birkaç saat poz verdiği, şaşırtıcı derecede ayrıntılı Ophelia (1851-52) resmi, kederin ünlü ve oldukça şiirsel bir görsel ifadesidir. Shakespeare'in Hamlet'inden, öldürülen babası için kederden deliye dönen ve kendini bir derede boğan Danimarkalı bir soylu kadını tasvir ediyor.

Rodin'in Düşünür

British Museum'dan Ian Jenkins, Rodin'in The Thinker'ına The Mourner denmesi gerektiğine inanıyor, çünkü figür çenesini sıkılı bir yumrukla yasladı - bu kişinin içine kapandığını ve kendi kederine daldığının açık bir işareti.

Yas, karmaşık bir "yas kültürünün" popüler olduğu Viktorya döneminde sanatçılar için çok önemli bir konuydu. Sanat tarihçisi Nigel Llewellyn, Art of Death (1991) adlı eserinde "etkileyici bir görsel ölüm kültürü"nün 19. yüzyılın ayırt edici özelliği olduğunu belirtir.

Picasso'nun "Ağlayan Kadın"

20. yüzyılda sanatçılar, Viktorya dönemi atalarının eserlerinde kederlerini ifade etme geleneğini sürdürdüler. Belki de en iyi örnek, Picasso'nun, İspanya İç Savaşı sırasında bir Bask şehrini bombalayan Alman uçaklarına tepki olarak yaptığı, aynı yılki Guernica adlı destansı tablosuyla bağlantılı olan Ağlayan Kadın'dır (1937). Guernica, birçok kişi tarafından 20. yüzyılın toplu kederinin nihai ifadesi olarak kabul edilir. Tabii ki, teması hüzünle ilgili olan 20. yüzyılın diğer resimlerinin birçok örneği var. Örneğin, Lucian Freud'un 1973'te yaptığı küçük bir resmini hatırlayabilirsiniz - kocasının ölümüyle üzülen annesinin bir portresi.

Francis Bacon tarafından "Üç Parça"

Francis Bacon, Triptych'in sol panelinde (Ağustos 1972) intihar eden sevgilisi George Dyer'ı boyadı.

Francis Bacon'ın bugün de Tate'te sergilenen Triptych'i hem kişisel hem de toplumsal kedere değinmeyi başardı. Bacon'ın sözde Siyah Triptiklerinden biri, resmi sol panelde görülebilen sevgilisi George Dyer'ın intiharından sonra boyandı. Bu nedenle, triptik ressamın çektiği acının unutulmaz ve çok kişisel bir ifadesidir (bu arada, sağ panelde tasvir edilmiştir).

Doğal olarak, 20. yüzyıldaki iki Dünya Savaşı sanat üzerinde etkili olamaz. Sanat eleştirmenleri, savaşın sanatçıların kederi tasvir etme biçimleri üzerinde 19. yüzyıla kıyasla derin bir etkisi olduğunu savunuyorlar. Bireysel ailelerin bireysel keder yaşadığı Viktorya dönemi yasının aksine, Avrupa'daki hemen hemen her aile aniden acı çekti.

Savaş anıtları

Bunun bir sonucu, hükümetin "yas için uygun bir görsel kültür yaratma" yönündeki resmi çabasıydı. Victorialılar tarafından çok sevilen klasik, alegorik cenaze figürlerinin modası geçti. Onların yerine, bireylerin kaybından ziyade ortak ulusal fedakarlığı vurgulayan savaş anıtları vardı.

Edwin Lutyens tarafından tasarlanan Londra, Whitehall yakınlarındaki Cenotaph Savaş Anıtı, bu yeni yaklaşımın arketipsel bir örneğidir: İnsan figürleri yerine, herhangi bir askerle ilişkilendirilebilecek boş bir tabut var. Yas tutan aileler bunu evrensel bir sembol olarak kullanabilirler.

Taryn Simon, farklı kültürlerden 21 "profesyonel yas tutan kişinin" katıldığı "Kayıp İşgali" yerleştirmesini yaptı.

Yasın çok yönlülüğü hala çağdaş sanatçılar tarafından ele alınan bir temadır. Bu yılın başlarında, Amerikalı fotoğrafçı Taryn Simon, Londra'nın kuzeyindeki bir yeraltı salonunda gerçekleştirilen Occupation of Loss canlı yerleştirmesi ile büyük eleştiriler aldı. 2016'da New York'ta prömiyeri yapılan çalışma için Simon, Arnavutluk, Azerbaycan, Ekvador, Gana ve Venezuela dahil olmak üzere dünyanın dört bir yanından 21 “profesyonel yaslıyı” davet etti. Seyirci bu kadınların her birini dinleyebilirdi.